Butaques i somnis

de JOSEP MARIA MIRÓ

dirección XAVIER ALBERTÍ

intérpretes MANEL BARCELÓ, CARME ELIAS, SARA ESPÍGUL, BORJA ESPINOSA, EDUARD FARELO, MARINA GATELL, ALÍCIA GONZÁLEZ LAÁ, MÍRIAM ISCLA, LAIA MANZANARES, MALCOLM McCARTHY

duración 1h 20 min + 20min de entreacto + 55 min

fotografía MAY ZIRCUS

producción TEATRE NACIONAL DE CATALUNYA

SALA GRAN (TNC)

No tendría que ser noticia, pero lo es, que una dramaturgo catalán (en masculino, voy a tirar cohetes cuando lo conjugue en femenino) estrene obra en la Sala Gran del teatro más importante del país. Ya por eso la sala debería estar abarrotada para en vez de ver el clásico de turno, admirar una obra contemporánea sobre un tema con el que desayunamos, comemos y nos vamos a dormir.

El todopoderoso miedo. A romper el orden establecido, a lo extranjero, a lo desconocido. Todo empieza con unas pintadas que amenazan a las mujeres de barrio, "Tornarem per violar a les vostres dones" (Volveremos para violar a vuestras mujeres). Todo al mismo tiempo que llega un (o dos) nuevo miembro a la comunidad, la Tau (Laia Manzanares), nieta de una de las vecinas.

Toda la acción pasa entorno a una comunidad de vecinos, donde unos empiezan a sospechar de los otros hasta el punto de querer cambiar todas y cada una de sus rutinas por culpa de este miedo atroz. Y, como siempre, las víctimas son las mujeres, y sus compañeros querrán decidir qué han de hacer, en una especie de paternalismo demodé, excesivamente cansino pero más actual que nunca. Al que se le une un racismo extremo de culpar los fallos propios siempre a los que vienen de fuera en vez de mirarse más el ombligo.

Temps salvatge es un montaje concebido bajo un suspense de hechos muy peculiar por lo que la parte técnica se iguala en importancia a la parte más artística. Con una escenografía imponente de Lluc Castells, una iluminación de Ignasi Camprodon que resalta aún más el clima de agobio constante al que se ve sometido el espectador y un diseño sonoro de Jordi Bonet que corta el aliento y consigue que no puedas apartar ni un segundo la vista de lo que pasa en escena. Brutal. Una combinación perfecta que hace "sufrir" y disfrutar al público al mismo tiempo.

La parte artística la comanda una encantadora y fascinante Laia Manzanares, de la que es imposible no caer rendida a sus pies. Desde el primer minuto su mirada inocente y sus inquietantes acciones atrapan al espectador que espera con ansia cada nueva aparición en escena. De entre los más veteranos destaca Míriam Iscla, que retrata a la perfección un mujer que se niega a dejarse llevar por el miedo y que opta por salvarse a base de coraje y agallas.

Josep Maria Miró es todo un especialista en desgranar los miedos, la estructura de Temps salvatge nos recuerda a una de sus obras más elogiadas y representadas, El principi d'Arquimedes donde la amenaza era un beso. Sea como fuere, Temps salvatge es una obra para ir a verla por muchos motivos, pero sin miedo. Al fin y al cabo todo es mentira, ¿o no?

de YEŞIM ÖZSOY
dramaturgia y traducción CARLES BATLLE
dirección JOAN ARQUÉ SOLÀ
intérpretes MERCÈ ARÀNEGA, FRANCESC FERRER, JORDI FIGUERAS, ELENA FORTUNY, CARLES GILABERT y MAGDA PUIG/AIDA OSET
duración 1h 20min
fotografías ORIOL CASANOVAS
producción VELVET EVENTS S.L. y GREC 2017 FESTIVAL DE BARCELONA
TEATRE LLIURE (GRÀCIA)

Uno de los espectáculos con los que me quedé sin días la pasada edición del Grec fue éste. Me sentía atraída por la idea de mezcolanza cultura, de edades, de pensamientos. Doce personajes para seis actores de diferentes edades y basándose en la técnica de la herencia narrativa de meddahlik (una forma tradicional de arte dramático turco donde un actor explica historias).

El fin de todas las historias, sin conexión aparente, entre ellas, es mostrar las contradicciones entre tradición, cultura, religión, moral y diferentes formas de concebir la convivencia. Cómo los más jóvenes establecen una guerra continua con las reglas establecidas que ya no se asemejan a su forma de ver el mundo.

Uno de los puntos fuertes de la dramaturgia es el papel de la mujer en las sociedades tan marcadamente patriarcales como las de algunos países árabes, donde poco a poco se van quitando la venda de los ojos, como es el caso de uno de los personajes de Aida Oset que se rebela contra los dictámenes de su padre, como cualquier adolescente.

La puesta en escena apuesta por un escenario casi vacío, con una mesa, sillas y un armario bajo, presidido por una pantalla donde irán pasando diferentes paisajes. Poco más se necesita para un espectáculo cuyo gran poder reside en la palabra.

Una de las consecuencias más visibles, de poner el foco en la carga narrativa, quizás sea la falta de matices en algunas interpretaciones, aunque la obra de entrada parece no ofrecer muchos instantes para el lucimiento del actor. Hay algunas escenas que la suma de puesta en escena y movimiento capturan el interés del espectador como el juego con el agua y la ropa de Carles Gilabert. Quizás la escena más visualmente más poderosa de toda la pieza.

Històries d'Instanbul nos hace viajar hacia esa Turquía que se debate entre la tradición y la modernidad, entre oriente y occidente. Piezas de un puzzle que cuesta de encajar, una metáfora en el que el montaje también cae por momentos. Las palabras no siempre tienen la fuerza para mover un océano. De momento, nuestro mar permanece quieto y en calma, pero lleno de miradas diferentes.

autoría y dirección IVÁN MORALES

intérpretes ANNA ALARCÓN, ANDRÉS HERRERA, MIMA RIERA y XAVI SÁEZ

duración 1h 40min

fotografías SANDRA ROCA y ONA MILLÀ

producción LOS MONTOYA

SALA BECKETT

Iván Morales es uno de los nombres clave de la dirección y dramaturgia catalana actual. Una manera de entender el teatro diferente. Hacía tiempo que como dramaturgo teníamos ganas de que ver algo más allá de su mítico/clásico Sé de un lugar. El tiempo de espera ha concluido. Que nadie se espere una segunda parte ni nada parecido, menos mal. Aunque, evidentemente, algunos rasgos made in Morales sí que están presentes.

Esmorza amb mi explica la historia entrecruzada de dos parejas. Natalia (Anna Alarcón) y Salva (Andrés Herrera) mantienen una relación esporádica mientras ella hace un documental sobre el desamor. Sergi (Xavi Sáez) y Carlota (Mima Riera) se quieren y quieren apostar por su relación. Los cuatros sólo buscan desayunar con alguien.

Delante de un punto de partida bastante común, la intriga aparece nada más poner un pie en la sala. La sala grande de la Beckett se convierte en un ruedo, una especie de círculo, con un minúsculo escenario central y una atmósfera que nos hace pensar que venimos a ver una de 'sang i fetge' más que una comedia romántica.

Con una presentación de personajes tan potente, el nudo, desarrollo de la trama inexplicablemente se vuelve monótono. Escenas excesivamente alargadas, ritmo descompasado, información a cuentagotas pero sin una intriga que nos haga tener ganas de abrir el melón.

Una de las escenas más interesantes la mantienen Xavi Sáez y Andrés Herrera. De hecho será éste último a quien Morales le ha regalado el mejor papel de la noche, quizás el más creíble, el más cercano, con el que el propio Andrés Herrera consigue en empatices más con una interpretación más naturalista.

Lo mejor del montaje es sin duda la escenografía y el diseño de luces creado por Marc Salicrú. Gracias a él y a pesar de los fallos de ritmo consiguen que el espectador no deje ni por un momento de prestar atención a escena. Es una de esas escenografías de las que no consigues escapar.

También en el apartado de puesta en escena, destaca el gestión del movimiento escénico de la primera parte del personaje de Natalia, obra de David Climent. Una manera muy realista, sin caer en una parte sensiblera de hacer ver al público los problemas de movilidad de una de las protagonistas.

Me hubiera gustado abandonar la sala llena de la misma niebla que envolvía a los personajes, pero mi neblina personal esta vez acabó (des)conectada de mí.

dramaturgia JORDI ORIOL y DANIELA FEIXAS

dirección JORDI ORIOL

intérpretes MUGUET FRANC y ANNA GÜELL

duración 50min

fotografías MICGRUP CATALUNYA

producción Q-ARS TEATRE

LA SECA ESPAI BROSSA

Desconocía totalmente a Cristina Fernández Cubas. Confieso que su nombre no me sonaba de nada hasta que lo vi impreso en la nota de prensa. Pero ahora se ha convertido en una autora de la que me apetece leer más de lo que escuché en la sala. De hecho, necesitaría leerme los cuentos en los que esta basada la dramaturgia para saber cómo Jordi Oriol y Daniela Feixas han tejido la narrativa de la obra. Me parece todo una filigrana.

Fui con la idea de ver escenificados una serie de cuentos, de narraciones cortas, pero me encontré un texto con entidad propia, basado en pequeñas escenas pero que juega con la metateatralidad del espacio, del tiempo e incluso intuyo que de las historias de las propias narraciones de Fernández Cubas. Oriol y Feixas han conseguido sumarse al universo de la autora y crear una realidad paralela y común a sus narraciones. Y, aún desconociendo a la autora, esto resulta de los más impactante.

En la pequeña sala Palau i Fabre, el público entra con la presencia escénica objetual y humana al completo. La escenografía de Àlex Aviñoa y Sílvia Delagneau nos traslada a una realidad paralela nada más poner los pies en la sala. Se podría decir que crea un ambiente hipnótico. Eso sí, ayudada en casi todo momento de una potentes iluminación, obra del mismo Àlex Aviñoa.

Más que perturbarme como prometía la sinopsis, me causó intriga, una manera obsesiva de explicar la narración, y como espectadora una avidez impresionante de querer descubrir qué es lo que estaba pasando en escena, que me estaba perdiendo al no llegar a entender del todo algunos comportamientos. Tranquilos que no se deja nada al azar.

Si hace un par de semanas veía a Muguet Franc con un personaje lánguido a más no poder, esta vez sus personajes tienen una fuerza que cruza la platea. Su presencia es la con la que más han jugado los dramaturgos. En ella reside buena parte de los interrogantes de la función. Sus múltiples personalidades/personajes consiguen que el espectador se sienta cuestionado en todo lo que ve y escucha, no reciba toda la verdad.

Por el contrario será el universo del personaje interpretado por Anna Güell el que lleve la voz cantante y en el que gire toda la historia. Su gran poder es saber jugar con las palabras, tanto en sonoridad, tiene una forma increíble de masticar el texto, como en significado. Me quedaría horas escuchándola sin pestañear.

Ausencias es un espectáculo boomerang de aquellos que el espectador recibe infinitamente más de lo que da. Es todo un latigazo a la conciencia, a lo que somos y lo que queremos ser. Y todo concentrado en poco más de tres cuartos de hora. Como un buen capítulo de esas series que tanto nos agradan, pero con actores de carne y hueso, sin pantalla, que sufren y te lo susurran al oído. Fascinante.

de WILLIAM SHAKESPEARE

adaptación y dirección ORIOL TARRASÓN

intérpretes ANNABEL CASTÁN, ÒSCAR INTENTE y ARNAU PUIG

duración 1h 25min

fotografías JOAN GASTÓ y DAVID TARRASÓN

producción CIA LES ANTONIETES

LA SECA ESPAI BROSSA

Últimamente Shakespeare me causa más apatía que entusiasmo, pero como dice el amigo Jordi Vilaró no es Shakespeare sino las adaptaciones que a casa nostra (veo poco teatro fuera de Catalunya por no decir nada) se hacen de las obras del Bardo inglés.

En ese estado me encontraba cuando se anunció la adaptación de Les Antonietes. Me atraía una posible adaptación al momento actual, a las fake news como ellos mismos anuncian, y atraída por el buen sabor de boca que par de meses antes me había dejado la maravillosa versión de La Tormenta de Projecte Ingenu me hizo dejar la apatía en el sofá y acercarme a la sala.

La primera sorpresa es la cámara blanca, con una simple alfombra roja que a modo de tragedia prevista "mancha" la virginal estancia. Un escenario muy limpio, minimal, muy pulcro que pronto se verá empañado por el devenir de la historia.

Oriol Tarrasón vuelve a optar por un potente y necesario recorte de texto y personajes. Sólo veremos a Othello, a Yago y a Desdémona. A primera vista no se aprecia ningún problema en la poda del texto, pero hay algo que sí sorprende más de lo que debiera, el gusto por acercar el texto a la época actual se deja por el camino algunas partes en verso que no acaban de cuadrar con la sonoridad general.

Por lo que más se recordará esta versión de Othello es por el Yago de Arnau Puig, que acapara todas las miradas. El aspecto que más cojea en el montaje de Les Antonietes es el casting. Delante de una interpretación sobradamente convincente de Annabel Castán y de un soberbio Arnau Puig, Òscar Intente no consigue que Othello alce el vuelo, le falta fuerza, presencia, ánima y le sobra apatía.

Mientras veía el montaje me imaginaba a Arnau Puig haciendo todos los papeles del Auca, sin lugar a dudas hubiera sido uno de los montajes del año. Entonces sí que la versión hubiera dado ese paso más. Ha faltado atrevimiento, porque el actor perfecto ya lo tiene. ¿Hay algún voluntario en la sala?

dramaturgia CREACIÓN COLECTIVA DE VACA 35

dirección DIANA MAGALLÓN

intérpretes JOSÉ RAFAEL FLORES (actor) y ALBERTO ROSAS (músico)

duración 50min

fotografías CORTESÍA DE INBA, ENTRETENIA y HÉCTOR ORTEGA

producción VACA 35 TEATRO EN GRUPO A.C.

SALA ATRIUM

VACA 35 TEATRO es sinónimo de imprescindible. Altera el gallinero escénico con su sola presencia. Después de su sublime adaptación de Las Criadas en Lo único que necesita una gran actriz es una gran obra y ganas de triunfar y de abrirnos el apetito y el ánima en Cuando todos pensaban que habíamos desaparecido vuelven con la radiografía de una gallina donde la metáfora vital es de aquellas balas que entran a base de comedia pero acaban estallándote dentro.

Esta vez, Vaca 35 sorprende con un monólogo, con un cierto toque autobiográfico del mismo intérprete, ubicado en Ciudad de México, sobre el tema de la migración (desde Ciudad Juarez) de aquellos que no son aceptados por lo que son en su lugar de origen. Un hombre o una gallina, una metáfora de vidas maltratadas, rechazadas, discriminadas. Todo un rastro de feminicidios, abuso y desaparición.

La voz única de José Rafel Flores en el escenario representa miles, millones de aquellas que fueron silenciadas. El montaje mezcla, en apenas 50 minutos, el plano real con el de los sueños, una manera de escape del horror, y el único espacio donde se puede ser libre sin temor a nada más que a despertar.

La dramaturgia ha conseguido que le compremos el relato, que gallina o no, nos ponga los pelos de punta, que busquemos proteger sus huevos como si fueran propios, que sintamos su aliento, sus sollozos, sus gritos acallados pero llenos de angustia, su inherente esperanza, sus ganas de huir, en definitiva, sus ganas de vivir libre.

La puesta en escena añade un plus de irreverencia avícola. Los huevos de Josefina están colgados a la vista de todos a la espera de saber qué será de sus "vidas". Dos sillas, una caja de madera llena de arena con un rastrillo pequeño, un papel marrón, a modo de pizarra, y la proyección de fotos con diversos mensajes es el único material visual que acompaña al relato. Más que suficiente para recrear el clima de ansiedad que estamos a punto de presenciar.

Quins ous! El nudo en la garganta permanente desde el buen inicio de la obra, para aquellos espectadores que tengan un mínimo de sensibilidad es la mejor forma de describir la obra. Y cómo con ese estado de puñetazo en el estómago, incluso puedes optar a reír en los momentos más irreverentes, sobre todo a nivel físico, aunque la sonrisa se quede tatuada como algo perenne pero sin vida.

Vaca 35 Teatro consigue sacar belleza de la intolerancia, sin dejar de denunciar que lo "no normal" también es "normal". Si antes era vaca, ahora puedo afirmar que también soy gallina, una más que cacareará para llenarles el gallinero. ¡No te la pierdas!

dramaturgia CLÀUDIA CEDÓ

dirección SERGI BELBEL

intérpretes PEP AMBRÒS, ANNA BARRACHINA, QUERALT CASASAYAS, VICKY LUENGO, XAVI RICART y MARIA RODRÍGUEZ

duración 90min

fotografías KIKU PIÑOL

producción SALA BECKETT y GREC 2018 FESTIVAL DE BARCELONA

SALA BECKETT (GREC 2018)

Tengo claro que nunca sabré en propia piel que es ser madre y tampoco que es perder a un bebé, pero no por ello dejo de ser mujer y persona y puede empatizar hasta el límite con lo que nos explica Clàudia Cedó en este montaje. Si de por sí el montaje ya es difícil de asumir, la realidad tiene que serlo a un nivel poco asumible.

Cedó construye un montaje no lineal donde el espectador sabe desde el comienzo qué pasará con la criatura pero desconoce el proceso y sobre todo el duelo y la aceptación que han de pasar los padres. Es ahí donde pone el foco la dramaturgia. La falta de linealidad se suma a una metateatralidad de suma de historias paralelas y a un concepto espacial que dista mucho de ser realista y entra de lleno en el mundo de los sueños.

Aunque esta historia sea una historia de actores, hay tres factores que juegan un papel más que protagonista para que explote la magia teatral. Primero un espacio escénico diseñado por Max Graenzel que permite al espectador trasladarse físicamente al descampado pero al mismo tiempo alberga el resto de espacios de la dramaturgia, hospital incluido, sin cambiar nada. Absolutamente espectacular.

Acompaña a la escenografía, el diseño de iluminación de Kiko Planas que es el elemento indispensable para que el juego de luces y sombras que propone el texto quede perfectamente definido.

La cuadratura de este triángulo perfecto es el espacio sonoro de Jordi Bonet que convierte, sí es posible, la escena en un lugar más inquietante, del que todos tus sentidos no conseguirán escapar.

Como ya pasaba en el caso de una obra de la misma temática, Llibert de Gemma Brió, Claudia Cedó, la escribe desde su propia experiencia personal. Y la dramaturgia destila ese dolor de la pérdida, ese proceso de aceptación y superación que un espectador medio con un mínimo de sensibilidad recibe como un puñetazo en el estómago, un sentimiento que le provoca que se le erice la piel, y que comience a circular por todo su cuerpo como una bala cargada de emociones.

Una gossa en un descampat necesita actores orgánicos, desnudos de todo artificio, con una naturalidad aplastante. El papel protagonista, Júlia, se desdobla en Júlia 1 y Júlia 2, en los días impares está interpretado por Vicky Luengo (Júlia 1) y Maria Rodríguez (Júlia 2) y en los pares al revés. Yo fui, sin saber quién sería quién, en día par, por lo que para mí Júlia 1 siempre será Maria Rodríguez, que nos regaló un sufrimiento estratosférico. Vicky Luengo es su compañera perfecta, como Júlia 2, un peculiar alter ego que eleva el montaje y le da un curiosa atmósfera llena de incógnitas.

No sólo se desdoblan las protagonistas, Pep Ambròs, Queralt Casasayas, Anna Barrachina y Xavier Ricart también lo hacen para poder asumir todos los papeles secundarios. Y dentro del drama se agradece que ellos aporten el toque amable, y a veces, cómico, para destensionar, o al menos intentarlo, el ambiente.

Una gossa en un descampat es un espectáculo cargado de lirismo con una marcada prosa poética, lleno de sentimientos que pone la piel de gallina. Una especie de catarsis compartida, grupal. Una bala que te alcanza en un segundo y va explotando lentamente en tu interior. Pero pese a todo el dramatismo de la acción, siempre hay un resquicio para la esperanza. La vida continua y el Grec 2018 también. Imprescindible.

dramaturgia y dirección NAO ALBET y MARCEL BORRÀS

colaboración en la dramaturgia y en la dirección LISABOA HOUBRECHTS

intérpretes NAO ÀSALBET, MARCEL BORR, JANGO EDWARDS, NABY DAKHLI, THOMAS KASEBACHER, VICTOR LAUWERS, DIANA SAKALAUSKAITÉ, LAURA WEISSMAHR y SAU-CHING WONG

duración 190min (con entreacto)

fotografía KIKU PIÑOL

producción GREC 2018 FESTIVAL DE BARCELONA, TEATRE NACIONAL DE CATALUNYA y ASSOCIACIÓ UNS NOIS QUE FAN TEATRE

SALA PETITA (TNC, GREC 2018)

Una nueva vuelta de tuerca al teatro marca de la casa de los que un día fueron (y quizás lo siguen siendo) los Enfants Terribles del teatro catalán. Por si no lo habían hecho lo suficiente hasta ahora se proponen dinamitarlo todo, teatro, conciencias, espectadores, salas... de esta batalla nadie sale indemne.

Como en otras ocasiones tiran de referentes cinematográficos, el más claro quizás Tarantino, pero por momentos también se vislumbran ciertos toques de Monty Python; del mundo del juego: rol, videojuegos; del teatro europeo, el de hoy y el de hace unas décadas, de las series, y de todo aquello que les pueda haber pasado por sus retinas. Falsestuff es un tótum revolutum del sinsentido pero lleno de significado.

Más de tres horas de duración con uno de los casting más multinacionales que he visto y sobre todo con actores multidisciplinares. Aquí todo el mundo sabe y hace de todo. Ríete tú de la Torre de Babel, sus once idiomas en escena (con sobretítulos) demuestran que no hay la lengua más universal que no nazca de la mezcla.

El montaje es como una gran muñeca rusa donde van sacando personajes y escenas. La primera escena, quizás la más importante para capturar la atención del espectador, Sau-Ching Wong se marca un más que interesante sólo de danza. Aunque sin duda, la traca final, toda la parte que sigue al entreacto es lo mejor del montaje. Para entonces la farsa ya ha estallado y el disfrute se siente desde platea.

Falsestuff demuestra que de pequeña, la Sala Petita sólo tiene el nombre. Creo recordar que no había visto un despliegue escenográfico similar en esta sala del TNC. A más de uno le gustaría pasearse entre "cametes" para ver cómo encajan las piezas fuera de escena. Adrià Pinar en colaboración con Oscar Van Der Put son los creadores de esta obra de ingeniería.

Otro de los puntos fuertes de los montajes de Nao Albet y Marcel Borràs son los "efectos especiales", más conocidos como diseño de iluminación, en este caso de Cube Bz, muy reconocible; y la composición musical y espacio sonoro del mismo Nao Albet que acompaña perfectamente a un diseño de sonido de Albert Balada.

A pesar de la disparidad interpretativa de los actores, el conjunto no desentona y le da, más si cabe, un aire del todo singular al montaje. El crecimiento de los dos protagonistas se ha ido viendo montaje tras montaje, no es nada nuevo. El atrevimiento llega de querer, de cada vez, jugar más, de aceptar más roles dentro del mecanismo teatral y salirse con una enorme solvencia.

Y aunque sea su espectáculo y sean ellos los protagonistas, ha habido alguien en ese reparto que réplica tras réplica me ha erizado la piel, Jango Edwards. Sin duda él es el montaje, en cualquiera de sus formas, en todas y cada una de sus escenas. Es brillante. Toda una delicia de interpretación.

Durante un momento en la obra se nos pregunta si todo está inventado. En el caso de que tu respuesta sea afirmativa, Falsestuff reinterpretará hasta la última coma para intentar hacerte cambiar de opinión. Si por el contrario es negativa, te reafirmará aún más el pensamiento. Sea como fuere, déjate atrapar en su interrogación!

versión JERONI RUBIÓ RODON

dirección y espacio ORIOL BROGGI

intérpretes MARCIA CISTERÓ, TONI GOMILA, SERGI TORRECILLA, DAVID VERT, ERNEST VILLEGAS, MARTA MARCO, CLARA SEGURA, LLUÍS SOLER y RAMON VILA.

y con la participación de CARLES ALGUÉ, MARC ARTIGAU, GINA BARBETA, ANNA CASTELLS, BABOU CHAM, CLARA DE RAMON, JORDI FIGUERAS, LÍDIA FIGUERAS, JOAN GARRIGA, MARISSA JOSA, ANNA JUNCADELLA, DANI KLAMBURG, ÒSCAR MUÑOZ, MARC RIUS, PAU ROCA, MARIÀ ROCH, XAVI RUANO, ENRIC SERRA, MARC SERRA, MONTSE VELLVEHÍ y UN CAVALL

interpretacóin musical YANNIS PAPAIOANNOU

duración 1h 55min

fotografías BITO CELLS

producción GREC 2018 FESTIVAL GREC DE BARCELONA y LA PERLA 29

AMFITEATRE GREC (GREC 2018)

De todos es sabido que el espectáculo inaugural o si lo prefieres la noche de la inauguración lo de menos es lo que se puede ve encima del escenario y lo que importa es quién pisa los jardines del Grec pre y post función. Es triste pero vivimos en la era del postureo y no puede ser que desaprovechemos la mínima ocasión para demostrar las habilidades.

Y la profecía se cumplió al milímetro, de teatro poco, de sopor todo. El encargado de "amenizar" la velada es Oriol Broggi que volvió a demostrar que lo que funciona en la Biblioteca tiene que funcionar en todas partes, pero no. Puso toda la arena en el asador y le quedó un espectáculo medley de canciones veraniegas sin sustancia.

Si bien es cierto que el teatro de Broggi siempre es el mismo, arena mediante, pocas veces le hemos visto salirse del guión. Le funciona y eso debe bastar para evitarse riesgos (innecesarios), pero los espectadores que nos gusta que nos sorprendan, ayer ni las estrellas fueron suficientes para evitar el aburrimiento.

Media hora más de lo que esperábamos de espectáculo más el esperado retraso de cualquier noche de estreno no nos hacia aumentar las expectativas sino todo lo contrario. Antes de que llegara el ecuador del montaje sabíamos perfectamente a qué se había debido este alargamiento, la pulsión del mismo en cuanto a palabras y a movimiento se había realentizado tanto que parecía que alguien hubiera pulsado el botón de cámara lenta. Inexplicable.

Realmente el texto encaja perfectamente en la atmósfera del anfiteatro griego. El poema de Guilgamesh está considerado como una de las ficciones más antiguas y uno de los primeros textos escritos que se conservan. El tema principal sigue siendo totalmente actual: la muerte y cómo el ser humano se enfrenta a ella. Más allá de la construcción de los dioses, de las leyendas, la dramaturgia nos sumerge totalmente en cómo asumir la pérdida de un ser estimado.

La arena vuelve a ser protagonista, y no sólo por ocupar el escenario sino porque en medio del tedio en el que el montaje había sumido a buena parte de la platea, vuelve a resurgir tomando protagonismo y cubriendo de polvo a las primeras filas, espectadores incluidos. No creo que haya sido un cambio en el viento, sino más bien un error de cálculo, para una escena bonita pero sin más.

Una de las características más significativas de los montajes de La Perla 29 son sus intérpretes estrella o fetiche. Y aunque esta vez el reparto no lo encabezaba Clara Segura sí que aparecía entre sus intérpretes, pero tanto ella como buena parte del elenco está más bien desaprovechado.

Si bien es cierto que las líneas de Clara Segura y Marta Marco le dan otro aire al montaje e incluso la aparición de Lluís Soler en la recta final podría augurar una redirección, pero se queda más en posible que en factible. Pero antes del acabo final, la aparición del caballo, tres vueltas al escenario y si te he visto no me acuerdo. Pues eso.

autoria PABLO MESSIEZ

traducción MARC ARTIGAU

dirección MERCÈ VILA GODOY

interpretación MARIA LANAU, JORDI RICO y GLÒRIA SIRVENT

duración 70min

fotografías DAVID RUANO

producción GREC 2018 FESTIVAL DE BARCELONA, ESCENA NACIONAL D'ANDORRA y LA BANDA

TEATRE AKADÈMIA

Llevo un pedacito de Muda en mí, dos meses después de asistir, de manera privilegiada a su primera mesa de lectura de texto y posteriormente a dos ensayos más, ver el espectáculo montado en sala me ha dejado satisfecha y melancólica a la vez.

He vivido las dificultades de interpretar un personaje de Pablo Messiez con mis propios ojos. Pero cuanto más difícil es el objetivo, la recompensa de conseguirlo es más satisfactoria.

Muda es la historia (o historias) de tres vecinos del mismo bloque. Todo empieza cuando una nueva vecina, Anna interpretada por Glòria Sirvent se traslada al edificio. La recibe el conserje, Valentí (Jordi Rico), un inmigrante al que le acaban de dejar y que ve el futuro muy negro y con unos grados de etanol de más. La propietaria del piso, Florencia (Maria Lanau), es una mujer de mediana edad, alocada a más no poder y con ciertas singularidades.

No he querido volver a ver en estos meses el montaje original de Messiez, he preferido dejarme sorprender por la propuesta de Mercè Vila Godoy que le ha dado mucha luz al texto, no sólo por una dirección enfocada más al sentimiento, a la piel, a la humanidad de los personajes, con un toque marcado de comedia y dejando que las sombras aparecieran lo justo.

De esta manera, los actores han encontrado un equilibrio perfecto de interpretaciones. Los soliloquios de Jordi Rico encuentran la mirada cómplice en los ojos de Glòria Sirvent. Es impresionante ver y notar la química entre los dos personajes. Eso es magia. Valentí es un personaje con gran recorrido, difícil de interpretar, de encontrar el tono, pero amable para el espectador que conecta desde el minuto uno. Rico ha sabido modularlo y le ha quedado un "tapizado original" muy atrayente y lleno de matices.

En esta luz que comentaba anteriormente tiene mucho que ver la interpretación y la caracterización de Florencia por Maria Lanau. Su verborrea constante, en forma de monólogo que dispara flechas sin parar y su persistente manera por agradar (como personaje) consigue meterse al público en el bolsillo. Pero el vestuario colorista de Laura García es como si la hubiese reencarnado en la Maria Barranco de la almodovariana Mujeres al borde de una ataque de nervios. Es un personaje que quizás, en un primer momento, puedas pensar en odiar, pero su toque de humanidad extrema, acaba por derrotarte y consigues empatizar al mismo tiempo que te provoca una gran risotada.¡Pon una Florencia en tu vida!

El gran tour de force lo tenía el personaje principal Anna, alias la Muda, ¿cómo dibujar un personaje que no habla, que escucha el torrente de discurso y palabrerío que le suelta los otros dos personajes? Sólo había visto actuar una vez a Glòria Sirvent, era casi una desconocida para mí. Y es sin duda la gran revelación de este montaje. Me he quedado abducida por su manera de interpretar, sus gestos, sus movimientos, nunca en tanto silencio se dijo tanto.

Reconozco el más que complicado trabajo de traducción de Marc Artigau de un texto como el de Messiez. Y la verdad es que el resultado suena bien, muy bien. Y hablando de sonidos, me declaro fan de la banda sonora del Dani Nel·lo me ha transportado al mundo del cómic, dándole una aire de Rue Percebe en miniatura, ya que la escenografía diseñada por Laura Clos (Closca) deja todo a la vista del espectador.

Si has llegado hasta aquí y todavía dudas si ir o no a verla, corre al Akademia. De momento sólo estarán hasta el 8 de julio pero esta Muda se merece quedarse sin voz (encima de un escenario) una buena y larga temporada. Gracias!

creación ÀLEX SERRANO, PAU PALACIOS y FERRAN DORDAL

performance DIEGO ANIDO, PABLO ROSAL, WANG PING-HSIANG, DAVID MUÑIZ y NICO ROIG

música NICO ROIG

videoprogramación DAVID MUÑIZ

videocreación VICENÇ VIAPLANA

duración 70min

fotografía VICENÇ VIAPLANA

producción GREC 2018 FESTIVAL DE BARCELONA, TEATROS DEL CANAL, TEATRE LLIURE, HOME THEATRE MANCHESTER, THÉÂTRE NATIONAL WALLONIE-BRUXELLES, GRAND THEATRE GRONINGEN, LA TRIENNALE DI MILANO - TEATRO DELL'ARTE, CSS TEATRO STABILE DI INNOVAZIONE DEL FVG, TEATRO STABILE DEL VENETO - TEATRO NAZIONALE I ROMAEUROPA FESTIVAL

TEATRE LLIURE (GREC 2018)

Expectación máxima sobre todo lo que lleva la marca Agrupación Señor Serrano. Personalmente, ya habíamos podido ver un pase entero en sala de ensayo hace justo una semana, por lo que con algunos ligeros cambios ya sabía lo que me iba a encontrar encima del escenario.

El montaje se basa en explicar el mercantilismo económico, el capitalismo mediante el descubrimiento y auge de la industria platanera. La compañía hace uso de sus habituales recursos escénicos: objetos, proyecciones, videocreaciones, música, performances... todo en directo.

Después de ver hace un par de temporadas en el mismo escenario del Teatre Lliure sus tres obras más significativas: Katastrophe, A House in Asia, Brickman Brando Bubble Boom; me esperaba algo más complejo, sobre todo en cuanto a discurso que lo que me encontré. Tanto la dramaturgia como la puesta en escena, de la que siguen apareciendo virguerías tecnología mediante, pero que quizás ya no sorprenden tanto como en montajes anteriores.

Kingdom tira del humor para que aterrizamos en una realidad quejica pero que en el fondo vive bien, "estamos bien" y "podemos". Pero lo queremos todo y lo queremos ya y nunca estamos conformes.

Facebook, youtuber, cinematógrafo, la Agrupación Señor Serrano toca todos los palos, pero todo en masculino y con una crítica al macho que se queda muy en la superficie y que al final de la obra vuelve a caer en el poder del macho alfa. De hecho la escena final es del todo prescindible. A medio camino entre un desfile al más puro día del Orgullo Gay y El Libro de la Selva. Sin palabras. Si han de saltar los plomos que salten con algo de más sustancia y menos primitivo.

De todas maneras es una buena noticia que compañías como la Agrupación Señor Serrano tengan cabida en la programación regular de los teatros públicos a casa nostra, en este caso el Teatre Lliure lo ha incluido en la temporada 18-19. Eso sí, la próxima aventura espero encontrarme un discurso más trabajado, lleno de giros inesperados, de metáforas y de todo aquello que han hecho a la compañía merecedora de ser el King Kong de los escenarios.

dirección escénica e interpretación DAVID CLIMENT, SÒNIA GÓMEZ y PERE JOU

espacio sonoro PERE JOU y AURORA BAUZÀ (TELEMANN REC.)

espacio escénico DAVID CLIMENT

duración 1h

producción GREC 2018 FESTIVAL DE BARCELONA, ELCLIMAMOLA, FESTIVAL TERCERA SETMANA - FESTIVAL INTERNACIONAL D'ARTS ESCÈNIQUES (VALÈNCIA)

MERCAT DE LES FLORS (PB, GREC 2018)

Tres personas en un no-lugar, en el limbo o allí donde la imaginación del espectador llegue. Los primeros veinte minutos nos encontramos poco movimiento, poco sonido, más bien cuerpos que recuerdan a marionetas sin hilos que las ayuden a moverse.

Un "hola" nos saca del ensimismamiento, cantado en bajo, repetitivo, poco a poco se va convirtiendo en algo sacramental. El humo resurge como elemento catalizador. La inmovilidad sigue imperando. No hay roce, ni siquiera se miran.

El discurso es no tener discurso, mantener al espectador en vilo simplemente por la "promesa" de que algo seguro tiene que pasar, y de alguna manera acaba pasando.

El no movimiento inicial se convierte en una suma de movimientos repetitivos. Pasamos del "Hello" al "Love", hasta el desmadre final con un singular y curioso canto al "ibuprofeno".

Lo mejor del montaje es sin duda el diseño de iluminación de Cube.Bz y el espacio escénico de David Climent. El mismo Climent será quién dé más juego encima del escenario. Un montaje que se ha quedado a medio camino, parco en ideas.

investigación, creación e interpretación MOS MAIORUM: MARIONA NAUDIN, IRENEU TRANIS y ALBA VALLDAURA

dramaturgia MARC VILLANUEVA MIR

interactivos y audiovisual VENTURA LÓPEZ KALÁSZ

duración 90min

fotografías ROGER ROSSELL

producción GREC 2018 FESTIVAL DE BARCELONA, INSTITUT DEL TEATRE y MOS MAIORUM

SALA HIROSHIMA (GREC 2018)

No hace falta que nos vayamos porque nos echan. Si no sabes de qué estoy hablando es que no vives en Barcelona. En esa Barcelona de Posa't guapa postolímpica que nos estamos comiendo con patatas. De esa que vive cara a la galería, 24/7 y que expulsa a sus habitantes a vivir qué se yo dónde porque es imposible pagar un piso (de alquiler, de compra mejor ni hablamos) con los sueldos basura que tenemos.

Muchos temas encima la mesa de este montaje de teatro documental y experiencial necesario, no apto para aquellos espectadores que busquen sentarse cómodamente en sus asientos y escuchar. Nada de comodidad que para eso estamos siendo desalojados de nuestra ciudad.

Turismo sin control, especulación inmobiliaria, fondos buitre, mejoras encubiertas y un largo etcétera que Gentry resumen en menos de 90 minutos. La experiencia es total y el espectador "siente" en propia carne una milésima parte del drama real. Siempre hay disidentes que luchan pero el factor derrota acaba pesando en las conciencias de muchos.

El espacio escénico, de Claudia Vilà, es uno de los puntos claves del montaje. Blanco puro, linóleum incluido, cuatro pantallas delimitan el cuadrado y actores y público comparten lugar, miradas e incluso palabras. Sensación total de comunidad, de que juntos podemos lo que por separado parece imposible.

Durante casi todo el montaje, las pantallas nos muestran la realidad de fuera, lo que debería mostrarnos los TN día tras día, pero que por las vías "normales" no recibimos. Impotentes recibimos todas las imágenes de Ventura López Kalász.

Los actores utilizan la técnica de Verbatim para lanzar casi todos los mensajes, un sinfín de datos imposibles de recordar, que suman tragedia a las imágenes. El trabajo de documentación ha sido arduo. Pero la vida no es sólo tragedia y Mos Maiorumapuesta porincluir ciertos momentos de alivio, que despiertan una sonrisa, aunque no por ello abandonen la parte crítica, sino que de alguna manera la hacen de manera más amable.

Gentry es un montaje imprescindible para todos. Que debería estar toda una temporada en cartel para que todos los colegios e institutos del país pueda venir a verlo y poder abrir un debate a posteriori. Dicen que la esperanza es lo último que se pierde.

coreografía y dirección artística EUN-ME AHN

intérpretes EUN-ME AHN, DONGHUN GO, JIHYE HA, YOUNGMIN JUNG, HYEKYOUNG KIM, JEEYEUN KIM, SEUNGHAE KIM, EISUL LEE, HYUNWOO NAM, SIHAN PARK, CHANG NANG AHN, KISOOK AHN, WONHEE CHOI, JUMRE JUN, YOO-OK JUNG, CHUNHEE KIM, MINSOOK KIM, NAM SOOK KIM, JUNG IM YOUN

duración 90min

fotografías YOUNG-MO CHOE y JO SANG

producción EUN-ME AHN COMPANY y el FESTIVAL PARIS QUARTIER D'ETÉ

MERCAT DE LES FLORS (SALA MAC, GREC 2018)

A punto de alcanzar el epicentro del Festival Grec 2018 llega una singular propuesta de la mano de la conocida como "la Pina Bausch de Seúl", Dancing Grandmothers. Conocido es que la danza no tiene edad y que de hecho es una buena terapia para multitud de males. Eun-Me Ahn mezcla la tradición surcoreana con los ritmos más modernos fabricados en occidente.

El montaje está divido en dos partes muy claras, la primera protagonizada exclusivamente por bailarines jóvenes de la compañía Eun-Me Ahn que introducen al espectador en una especie de mundo psicodélico lleno de colores, tejidos y luces de neón y que deja entrever la estética que acompañará todo el espectáculo.

Antes de entrar de lleno con las Dancing Grandmothers propiamente dichas, nos proyectan un vídeo introductorio que recorre todo Corea del Sur y muestra cómo son, cómo viven y lo que significa la danza para ellas, cosa que despierta el humor y algunos comentarios por parte de la platea. Quizás excesivamente largo para el propósito de ruptura y/o presentación, eso sí sirve perfectamente para evocar el arte de venirse arriba.

La segunda parte protagonizada ya por estas entrañables "abuelas" que se mueven con una soltura envidiable para su edad por el escenario es realmente tierna. Son capaces de mostrarnos desde ritmos más lentos, más tradicionales hasta los más movidos y, como era, de esperar se meten al público en el bolsillo. Nunca había escuchado un tango en otra lengua que no fuera español, si la danza no tiene edad, vamos a tirar de otro tópico, la música no conoce fronteras.

Dancing Grandmotherses un montaje amable, en el que el público disfruta y totalmente enternecedor. La sorpresa final escrita y viralizada totalmente por las redes sociales puso la guinda a un pastel que nos ha sentado de maravilla. ¿Dónde se tiene que firmar para llegar a su edad con esta marcha y esta vitalidad?

autoría y dirección CLARA POCH y MARÇAL CLAVET

dramaturgia CLARA POCH

intérpretes MARÇAL CLAVET, MARTA CAMUFFI y CLARA POCH

duración 50min

fotografías GERARD RIERA

producción MUMUSIC CIRCUS

LA SECA ESPAI BROSSA (GREC 2018)

El Grec2018 también es apto para espectáculos familiares como Flou Papagayo. Volver a recuperar la magia y la ilusión al menos durante un rato. Hacer circo en una sala con el techo tan bajo y las dimensiones de La Seca es todo un deporte de riesgo y no sólo para los artistas, los espectadores de primera y segunda fila vivieron el "riesgo" en carne propia, lo cual hace sin duda más atrayente.

Mumusic Circus opta por la mezcla de circo con algunos momentos que ponen los pelos de punta con otros donde la magia de encuentra en la comedia y en la interacción con el público, pequeños y ya no tan pequeños, porque los padres también tienen que dejar boquiabiertos a sus hijos.

Flou Papagayo no tiene argumento. Es un seguido de escenas inconexas que llevan al espectador a disfrutar con cada una de ellas. Simplemente déjate llevar y participa siempre y cuando sea requerido. Volver a ser un niño, si es que no lo eres, volver a creer que todo es posible y que la barra pasará cerca, pero no te tocará, al menos no físicamente hablando.

Como el agua, que tiene su protagonismo en el espectáculo, el espectáculo fluye delante de los ojos del público con momentos tan espectaculares y divertidos como la cantarella de saber contar hasta el infinito o la especularidad de calzarse un pantalón encima de la percha china, lo más normal del mundo para Marçal Calvet, o la suspensión capilar de Marta Camuffi que nos deja completamente sin respiración.

Tanto si vas solo como si lo haces rodeada de infancia con piernas, el disfrute está asegurado. Porque ¿A quién no le gusta creer ni que sea por una ratito que la magia existe?

basado en la obra de ELFRIEDE JELINEK

dramaturgia NILS HAARMANN

dirección KATIE MITCHELL

interpretación JULE BÖWE, CATHLEN GAWLICH, RENATO SCHUCH, MAIK SOLBACH

cámara NADJA KRÜGER/STEFAN KESSISSOGLOU, CHRISTIN WILKE / JULIANE KREMBERG/MARCEL KIESLICH, SIMON PETER

duración 75min

fotografías GIANMARCO BRESADOLA

producción SCHAUBÜHNE BERLIN

TEATRE LLIURE (MONTJUÏC, GREC 2018)

Una de las noches más esperadas de esta edición del Grec 2018 nos dejó la sensación de que seguimos a años luz de poder realizar montajes como éste. Silencio sepulcral a la sala. No hay ojos suficientes para evitar no perderte entre tanto detalle. Hacía tiempo, por no decir nunca, que no había presenciado un montaje tan milimetrado.

Asistimos atónitos a un teatro muy cinematográfico, en el que podemos ver la película proyectada en una pantalla, optar por seguir cómo trabajan actores, cámaras, al mismo tiempo que vemos retazos del montaje en pantalla, mientras leemos sobretítulos (la obra está en alemán).

Pero no sólo sorprende la puesta en escena. También lo hace el drama de Eurídice trasladado a la actualidad, con una pátina de atmósfera de serie escandinava que pone los pelos de punta. Eurídice "vuelve a la vida" para encontrarse con Orfeo convertido en una conocida estrella del rock, que es quien la va a buscar al infierno. Durante el trayecto se da cuenta que lo que ha hecho es vivir siempre en la sombra de Orfeo y que el mundo al que se dirige no se lo pondrá fácil para vivir una vida independiente y quizás sea mejor seguir viviendo en una habitación propia pero llena de sombras.

Sin saber definir bien si la propuesta de Mitchell entra en el mundo del teatro, del cine o de ese Tercer Arte que el escritor canadiense John Pearson le ha atribuido, la verdad es que el viaje visual es impresionante. Un continuo movimiento de acciones, escenarios, aquello que normalmente no vemos, lo que pasa en escena y fuera de ella (la sala Puigserver se abre de par en par) y sus costuras. Un claro ejemplo es ver "funcionar" los ascensores o cómo se crean las escenas, todo en segundos y sin margen de error.

La dramaturgia de Nils Haarmann conserva el existencialismo que caracteriza a las obras de la dramaturga austríaca Elfriede Jelinek. Ombra es básicamente una obra narrada, de pensamientos y lo que para muchos sería lujo tener a una narradora presente todo el tiempo en el escenario, aquí es una de sus partes fundamentales. La cabina de doblaje iluminada permanentemente, la actriz de voz Cathlen Gawlich nos narra con una dicción extremadamente brillante, que acentúa con precisión los momentos álgidos.

Con la mirada puesta en Jan Fabre y su Belgium Rules la próxima semana, Katie Mitchell es lo mejor que ha pasado por el Festival Grec en años. Sólo nos queda desear que no sea la primera y la única vez que la veamos en un escenario barcelonés, que esta primera piedra construya un edificio sólido. Komm bald zurück!

autoría STEFANO MASSINI

traducción CARLES FERNÁNDEZ GIUA

dirección ROBERTO ROMEI

intérprete SANDRA MONCLÚS

duración 65min

fotografías AITOR RODERO

producción GREC 2018 FESTIVAL DE BARCELONA, TANTARANTANA TEATRE y ARSÈNIC CREACIÓN SL.

TEATRE TANTARANTANA (GREC 2018)

Gracias a la edición de este año de Factoria Grec nos pudimos colar en el segundo día de ensayo, cuando todo estaba por hacer y todo era preguntas, dudas y un mundo por descubrir. Ahora es hora de ver en qué se convirtieron aquellos problemas de la sala de ensayo.

El texto de Stefano Massini es un monólogo que nos habla de las situaciones de abuso de poder a nivel laboral, de cómo el capitalismo sólo busca favorecer la producción sin importarle lo más mínimo la situación del trabajado. Cómo por unos euros de más nos convertimos en máquinas sin ningún tipo de sentimiento y nos arrastramos hasta límites de ninguna manera aceptables.

Roberto Romei situa al público en primer plano, con una disposición escenográfica en forma de cuadrado con el público alrededor de la escena. Minimalismo escénico llevado a su máxima expresión. Una especie de ring de boxeo pero sin redes y donde las bofetadas siempre van en una misma dirección, hacia el público.

Los espectadores de Shenzhen significa inferntienen un papel clave, quizás menor al que me hubiera gustado, pero sus reacciones y respiraciones aportan un plus a cada función. La dirección ha apostado por convertir al público en presente silente, dar todo el protagonismo a la actriz y dejar que las reacciones de los espectadores sean silenciosas. Quizás una apuesta más arriesgada con una participación más activa del público en el juego escénico que plantea Massini hubiera hecho irrespirable la escena, de aquella que te atrapa y no te deja escapar.

Eso sí, recibir la mirada directa de Sandra Monclús a escasos centímetros te impacta, te noquea, pero te causa un efecto de no poder dejar de mirarla, de análisis de gestos, miradas y movimientos para saber cuál será el siguiente paso de este juego. Su interpretación está perfectamente medida y trabajada para un público que se acepte el reto, pero ¿y si hay algún rebelde en la sala?

Delante de una obra donde tanto gestos como movimiento impacta tanto o más que el discurso, la opción de potenciar ciertas escenas con un espacio sonoro, diseñado por Jordi Collet, deja un cierto tiempo de relax al espectador. Como si las puñaladas se tomaran un descanso y estuviéramos cogiendo fuerzas para el siguiente embate.

PS. Lo único que no me ha gustado de manera tajante y me gustaría dejar constancia es que al mirar la ficha artística, todos y cada uno de sus miembros salvo Sandra Monclús y la alumna en prácticas sea hombres. Para hacérselo mirar.

dramaturgia y dirección MARTA BUCHACA

interpretación ANNA ALARCÓN, MARIA PAU PIGEM y BERNAT QUINTANA

duración 80min

fotografías XAVI BUXEDA

producción GREC 2018 FESTIVAL DE BARCELONA y FIXENTIA SL.

LA CUINA (LA BONNE, GREC2018)

Estamos viviendo un clima donde se nos hiela la sangre día a día. No cabe más horror en nuestras retinas, no hay tiempo de recuperación entre tragedias, pero aún así todavía lo vemos lejano, como una pantalla que no nos pertenece y que nunca traspasaremos.

Sin pantalla y a escasos metros del escenario, en un ambiente tan íntimo como "agobiante" como es La Cuina de La Bonnemaison nos encontramos a la Eva (Anna Alarcón), Pau (Bernat Quintana) y su terapeuta, interpretada por Maria Pau Pigem.

La escenografía de Sebastià Brosa nos sitúa en una antigua y medio destartalada oficina de protección de la mujer, pero ya sabemos cómo va lo público. En un seguido de escenas alternas nos encontraremos a la terapeuta con Pau y Eva. La dramaturgia nos hace pensar que cada respiración cuenta. Poco a poco descubrimos la historia, y sin desvelar nada, un cosa diré nunca las cosas son como parecen.

Una de las piezas claves junto con la dramaturgia y la dirección es la composición musical de la Clara Peya que aumenta la intriga y la angustia tanto en platea como en escena. Esas ganas de entender qué algo está pasando más allá de lo que es explicado y que a ti como espectador se te escapa.

A nivel interpretativo la representación de la realidad es absolutamente verosímil. En ningún momento se tiene la sensación de estar delante de una ficción, es como si nos sintiéramos partícipes de un secreto, de algo privado que no deberíamos estar escuchando. Como público permanecemos atónitos, escuchando, mirando y reflexionando ante situaciones que nos perturban e indignan a partes iguales.

En Només una vegada Marta Buchaca no da respuestas sino que abre la caja de las preguntas y hace que el espectador se replantee los matices, aquello que pensamos que no va con nosotros pero que nadie nos asegure que al dar la vuelta a la esquina nos lo encontremos. Simplemente cómo algunas de las reacciones de los protagonistas nos pueden convertir en verdugos de nuestras propias palabras.

PS. Si Shenzhen tiene una ficha artística que sólo conjuga en masculino, parece que Marta Buchaca ha encontrado como hacerlo en femenino y se agradece.

concepto y creación JAN FABRE

autoría JOHAN DE BOOSE

dramaturgia MIET MARTENS

intérpretes LORE BORREMANS, ANNABELLE CHAMBON, CÉDRIC CHARRON, ANNY CZUPPER, CONOR THOMAS DOHERTY, STELLA HÖTTLER, IVANA JOZIC, GUSTAV KOENINGS, CHIARA MONTEVERDE, MARIATERESA NOTARANGELO, ÇIGDEM POLAT, ANNABEL REID, URSEL TILK, IRENE URCIUOLI, KASPER VANDENBERGHE y ANDREW JAMES VAN OSTADE

duración 3h 45min

fotografías WONGE BERGMANN

producción TROUBLEYN / JAN FABRE

TEATRE LLIURE (SALA FABIÀ PUIGSERVER, GREC 2018)

El ritual teatral a menudo conlleva que te dejes llevar por esa voz mayoritaria que estipula que es imprescindible y que no. Tenía miedo a tener las expectativas muy elevadas con todo lo que había circulado y circula de Jan Fabre, a veces los adjetivos grandilocuentes echan hacia atrás más que te convencen de algo. Esta vez, sin que sirva de precedente me dejé llevar y compré la entrada antes de el "sold out" colgara de la taquilla, como ha pasado.

Inicio cómico de las casi cuatro horas de función. Qué mejor que comenzar riéndose de uno mismo, de lo ves, de lo que escuchas, de lo que te muestran. Si habías entrado en la sala no del todo convencido, en menos de cinco minutos se ha disipado toda duda, ¡Qué empiece el espectáculo!

La verdad es que no he estado nunca en Bélgica y lo poco que sabía, y que sigo sabiendo, son sus tópicos y sus tradiciones: su orígenes, su afición por las palomas y por el ciclismo, su famoso chocolate y sus cervezas, su carnaval, su lista interminable de pintores, etc.

Ficciones, realidad, humor y autocrítica se mezclan en sus casi 4 horas de duración con una puesta en escena muy plástica que deja boca abiertos a los presentes. Un sinfín de explosiones visuales que dejan poco espacio para el descanso visual hasta llegar a las tres horas de duración. A partir de las cuales el espectáculo cae en una repetición forzada de elementos ya visitados y se vuelve más efectista que sorprendente.

El espectáculo es irreverente, una de las imágenes más impactantes es aquella donde se muestra el incensario humeante atrapado entre las piernas de los actores. Ese baile, ese movimiento es una de las imágenes más impactantes de la noche. Porque de plumas y de cuerpos desnudos ya vamos bien servidos.

Fuera del teatro, de los tipos de teatro que pueblan la dramaturgia en formato textual y visual, el discurso subyacente es que Bélgica es un país como cualquier otro, con sus usos y costumbres cuestionables y, a veces, difícilmente comprensibles, multicultural, multilingüístico y al que le gusta divertirse y la fiesta en cualquiera de sus múltiples estados.

Los intérpretes de Jan Fabre son resistentes y polifacéticos, sin miedo a nada. Las cuatro horas (non-stop) de desgaste encima del escenario no sólo les afectan a ellos. El espectador también ha de resistir el embite visual, de sobretítulos (de aquellos idiomas de no entiendes) y de quietud (nunca había tenido un "rigor mortis" en el cuello tan agudo).

Siempre me he quejado que los entreactos, muchas veces, te cortan en seco el espectáculo ye te obligan a hacer después un sobre esfuerzo de recuperación de la concentración. En este caso (y aunque el espectador es libre de salir y entrar cuando quiera, con la molestia para los que no salen, of course) eché de menos un entreacto que me obligara a moverme.

La sensación del día después de Belgium Rules fue de resaca (seca), de cuerpo entumecido y doloroso, como si me hubieran dado una paliza (al gimnasio). Nunca había tenido una sensación así post-teatro. No me quiero ni imaginar las 24h del Mount Olympus. De todas maneras ha valido la pena, pocas veces vemos tal explosión teatral en la cartelera y se agradece que una vez al año, podamos ser capaces de dinamitar nuestros esquemas.

dramaturgia y dirección ROGER TORNS

intérpretes ANNA HEREBIA, LAURA DAZA y ROGER TORNS

duración 60min

fotografías: H.I.I.T

producción H.I.I.T con la ayuda de LA SECA ESPAI BROSSA y el INSTITUT DEL TEATRE

LA SECA ESPAI BROSSA

Salgo de la burbuja del Festival Grec para ver una de las piezas que forma parte del nuevo ciclo Abrossa'm de La Seca Espai Brossa, una especie de becas a la creación de espectáculos en torno a la figura del poema que da nombre a la sala. Después de ver hace unos meses Habitat (doble penetración) a la Sala Atrium tenía ganas de volverme a sumergir en el universo de Roger Torns.

Estrip-tesi coge algunos de los rasgos de Brossa como son los juegos del lenguaje, la falta de significado concreto de algunas acciones, el juego, el surrealismo para criticar las políticas culturales que se han dado en los últimos tiempos. Aquello de construir una gran equipamiento para tenerlo vacío y cerrado al público. La metáfora funciona con las generalidad de las políticas culturales pero también es llevada a la especificidad de querer encerrar la poesía porque da miedo y no queremos que la gente la descubra.

Roger Torns crea, dirige e interpreta parte (lleva la voz cantante) de la función, ejemplo inequívoco de que las políticas culturales no dan para tener una ficha artística muy amplia. A pesar de ello, se desenvuelve bastante bien. No alcanza la volada de su anterior trabajo, para que nos vamos a engañar. Sobre todo para no acabar cayendo en aquello que a la vez estás criticando de ser mujer florero. Quizás hubiera sido conveniente reducir el reparto a lo femenino sin necesidad de tener una voz masculina dirigiendo in situ.

Estrip-tesi conjuga texto, música, voz, proyecciones, vídeo, teatro de objetos... en una sala Palau i Fabre dispuesta a dos bandas con escenario central, donde el público que sólo mira, oye y ve se siente como dentro de una misión secreta. El final sólo dependerá de lo alto que sea capaz de dejar volar su imaginación.

TEMPS SALVATGE

HISTÒRIES D'ISTANBUL

ESMORZA AMB MI

AUSENCIAS

OTHELLO

JOSEFINA LA GALLINA, PUSO UN HUEVO EN LA COCINA

UNA GOSSA EN UN DESCAMPAT

FALSESTUFF

EL POEMA DE GUILGAMESH, REI D'URUK

MUDA

KINGDOM

NOWHERE IN PARTICULAR

GENTRY

DANCING GRANDMOTHERS

FLOU PAPAGAYO

OMBRA (PARLA EURÍDICE)

SHENZHEN SIGNIFICA INFERN

NOMÉS UNA VEGADA

BELGIUM RULES

ESTRIP-TESI